SYNAESTHESIA | LONDON JAZZ NEWS (REVIEW) →
Reis Demuth Wiltgen with Emile V. Schlesser
“I can see colors dancing in my head. I tried to capture that and bring it to the screen,” explained the multimedia artist Emile V Schlesser (b.1986) at a special presentation of synaesthesia, his immersive multimedia collaboration with Luxembourg post-rock jazz piano trio Reis Demuth Wiltgen. Synaesthesia is an hour-long suite of original music by the trio, performed with live visuals by Schlesser featuring cues from bass, piano and drums, “so you can paint with your instrument like a painter!”
Synaesthesia is a condition or set of conditions most commonly thought of as a cognitive trigger in its “projective” form: simply put, when you hear a specific sound, you see a color. In music, Alexander Scriabin and Oliver Messiaen used synaesthetic associations to create their compositions, and many musicians have reported varying degrees of music → color synaesthesia from Aphex Twin and Thom Yorke to Billy Joel and Pharell Williams, not to mention the ongoing case the Mixed Head of disgraced rapper Kanye West.
Developed over three years and performed over three performances over three days at the Op der Schmelz center in Dudelange on the Luxembourg-French border, the immersive experience of synaesthesia took place in “360 degrees” – so to speak. The group of Marc Demuth Bass, Michel Reis piano and Paul Wiltgen Percussion, performs behind a screen onto which the main focus of the graphic is projected, stretching around the side walls of the auditorium, with a mirrored wall behind. You’re in the group, but of course the band in front of you catches our attention. We are encouraged to move, but nobody does. It definitely feels more like a concert than an installation.
Musical artists performing through visual means are nothing new today, whether it’s Jean Michel Jarre’s spectacular public performances in Paris or a DVD of Jodorowsky’s Holy Mountain projected over a metal band at the Purple Turtle in London – but there is an art form of merging the visual and sound elements, and this is necessarily made possible by technology. Triggering visual events from a sound in real time with no latency is essential and requires quite a bit of processing power. I heard a figure of 80,000 euros was given for the development of the synaesthesia show. It is technically and logistically enormously impressive.
The music is translated into synchronous and personable colours, shapes and movements in a range of colorful graphics ranging from geometric to organic, all degenerated live on location. Lines and star fields, explosions, gradients, grids and cellular striving, respiration, saturation, exhalation, vagitus. Explosions, sparks, smoking, flames, slamming, twisting and crossing, unfolding, cellular imagery, white lines on the deepest blue that squirt and ooze with a cosmic wonder about the potential to plunge into vast otherness. There comes a point when the phosphorescent microorganisms of the deep sea and the interstellar, giant lightship of the deep cosmos become indistinguishable – brittle stars are echinoderms that crawl across the seafloor.
Synaesthesia is not site specific. I thought it would be awesome if it could be taken to other immersive venues of all kinds. A few years ago, Simple Things put together a series of planetarium sessions at the Bristol Planetarium, and there’s the IMAX treatment too – many cinemas are now set up for immersive multimedia. With the closure of rehearsal rooms and the dominance of multidisciplinary interested urban music and laptop artists, music of all genres is becoming more synaesthetic, so to speak.
The music is strong but to be honest the experience feels more like a sequence than a suite. The individual pieces can be performed in any order. For lack of a better term, there isn’t much sense for a “narrative” to involve the emotions more and bring development and a sense of despair and resolution. Among well-known piano trios. The music can be roughly compared to Phronesis (but less technical) or EST (but less iconic). They made me think the most of the British trio GoGo Penguin, who share that taste and euphoria of dance music and those left hand block chords and melodic right hand and borrow those CD skipping inspired stops in the beat.
Synaesthesia should bring respect and new followers to Reis Demuth Wiltgen. Joshua Redman is already a fan and performs her compositions. The group have a new record planned with him and Vince Mendoza after recently performing with them and an orchestra. Small-town groups can be difficult to break out of, even places like Luxembourg that put their money where their mouth is when it comes to soft-power culture punch. It would be great if they could visit some planetariums…
by AJ Dehany
SYNAESTHESIA | Saarländischer Rundfunk (TV)
SYNAESTHESIA | RTL Journal (TV) →
SYNAESTHESIA | Luxemburger Wort
Die große Lust an einer Sinneswelt auf Zeit
Wie in Düdelingen eine 360-Grad-Installation dem Publikum auf neue Art Bahnbrechendes vermitteln soll
Es musste ja so kommen: Da wollen Émile Schlesser, Michel Reis, Marc Demuth und Paul Wiltgen vor versammelter Presse, den Esch2022-Betreuern, den Organisatoren im Centre opderschmelz und Fachvertretern ihr Projekt vorstellen und dann streikt die Technik. Ein Pfeifen stört den Ton, erste Nervosität im künstlerischen Team kommt auf. An den Mischpulten wird alles noch einmal gestartet – für den ersten Eindruck muss es jetzt gelingen. Ein wenig Mitleid kommt auf. Schlesser hatte schon gewarnt:”Wir sind noch in der Probenphase”. Verziehen ist das dann nach ein bisschen Warten auf die Problemlösung schnell, als klar wird, was da im Werden ist.
Nämlich genau an der Panne zeigt sich, wie schwer das im Endeffekt so vielschichtig schillernde Projekt “Synaesthesia” in der technischen Umsetzung ist; von und mit Luxemburger Beteiligten ein absolutes Novum. Wie der Werbetext formuliert, ist es als eines der Highlights zum Ende des Kulturhauptstadtjahres eine begehbare Rauminstallation mit holografischer 360-Grad-Videoprojektion, eine “traumartige Sinneswelt” soll entstehen, “eine Live-Übersetzung der Musik in Farbe, Form und Bewegung”.
Wie? Eine Lichtshow zu Musik scheint doch irgendwie normal. Aber: “Bild und Klang beeinflussen sich gegenseitig, reagieren in Echtzeit aufeinander, und formen so eine multisensorische Symbiose [...], inspiriert durch das neurologische Phänomen der Synästhesie”, schreiben die Macher. Das bedarf der Erklärung – zumindest, wenn man hinter die Kulissen dieses 360 Grad-Theaters schauen will.
Musik ist Farbe, Farbe ist Musik
Ausgangspunkt ist das persönliche Empfinden von Schlesser. Der Filmemacher hat schon öfter für das Trio gearbeitet und Videos für die Promotion ihrer Arbeit gedreht. Doch Reis-Wiltgen-Demuth wollten für Esch2022 mehr. Ihre gemeinsame Basis: Das Übereinanderlegen von eigentlich getrennten Sinnesempfindungen – Synästhesie, die bei einigen Menschen wie eben Schlesser im Gehirn gegeben ist, wird so erfahrbar: Der große Saal des Centre opderschmelz in Düdelingen wird zu einem Schmelztiegel für die Sinne aus Musik und live abgemischter Projektion, der den 75 Teilnehmern pro Vorstellung sehr nahe gehen soll.
Schlesser hat zunächst visuelle Sequenzbausteine und Szenendramaturgien vorgefertigt, die er sich für die einstündige, vom Trio eigens aus ihrem Portfolio erweiterte und angepasste Musik erdacht hat. Diese abrufbaren Bausteine mischt er mit den live zusammenkommenden, digitalen Daten aus der Musik. Dazu beeinflusst das Live-Feeling, die gemeinsamen emotionalen Eindrücke des Quartetts die Abmischung, die dann in den sanft abgetrennten Publikumsraum zusammenfließt. Das nur durch einen halbtransparenten Vorhang aus dem Publikumsraum erkennbare Quartett kann dann durchaus improvisieren, sich gegenseitig Impulse geben und leicht akzentuieren. Damit ist jede der geplanten acht Vorstellungen ab Freitag, dem 25. November, anders.
Drei Jahre an Vorbereitungen in die Gestaltung von Komposition bis technischer Umsetzung sind seit den ersten Gesprächen in diese Zusammenarbeit geflossen. Und spürbar können es alle Beteiligten kaum erwarten, wie die Reaktionen des Publikums auf diese Form der künstlerischen Auseinandersetzung ausfallen werden.
Wie das Team in seinen einleitenden Bemerkungen betont, kommen hier endlich Fäden dieses verwobenen Spektakels zusammen, die fein abgestimmt werden müssen, damit die Illusion im Ganzen gelingt. Technisch schwierig in Live-Athmosphäre konzentriert zu arbeiten und gleichzeitig damit für das Aufbrechen von Genregrenzen zu sorgen – darin liegt für alle Beteiligten offenkundig der Reiz.
Ein Spektakel, das sich perfekt in das Esch2022-Leitmotiv "Remix" einreihe, wie „Cultural Programme Director" Françoise Poos aus der Organisationsspitze des Kultur- hauptstadtjahres im Rahmen des Previews be- tont. Ob das gelingt, muss nun das Publikum entscheiden.
Drei Fragen an Émile V. Schlesser
Was unterscheidet diese Produktion von der ganz allgemeinen Lightshow, die überall stattfinden könnte?
Ich habe ein Faible für die ganze Showwelt und ihre Technik – gerade auch im Publikum selbst. Ich liebe so etwas, sich völlig dieser Illusion hinzugeben. Und ich glaube, das ist vor allem das, was mich interessiert. Nicht nur hier, sondern insgesamt. Das, was mich an Kunst, an Filmen und auch an Musik so reizt, ist eben dieses Spiel mit der Illusion. Dass man in diesem Fall aus Holz und Metall Klänge herausholt, die dann Emotionen auslösen in den Herzen des Publikums – für mich ist das Wahnsinn. Ich kann nun dank Metall, Lasern und Mikrochips meinen Teil dazu beitragen; und das alles nur, damit eine Illusion entsteht, dass Menschen etwas fühlen können.
Und hier haben wir versucht, das wirklich bis an die oberste Spitze zu treiben. Wir beeinflussen uns untereinander, hier verschränken sich die Künste. Bei den meisten Live-Shows steht die Musik im Vordergrund und das Licht ist halt nur da, um das ein bisschen aufzuhübschen. Hier ist es wirklich demokratisch, sozusagen eine Vermählung aus beiden Medien, die einander permanent beeinflussen. In dem immersiven 360 Grad-Setting wollen wir bewusst überwältigen. Man kann in dieser einen Stunde in eine völlig andere Welt abtauchen und dieses Konzept in sich aufsaugen. Wir versuchen, spielerisch Gefühle zu erkunden; mit den Köpfen, mit den Herzen zu spielen.
Sie gehören zu den geschätzt rund vier Prozent der Weltbevölkerung, die als Synästhetiker Sinneseindrücke im Gehirn koppeln. Sie reagieren zum Beispiel mit Farben auf Töne - oder geben Wochentagen und Monaten gedanklich Farben. Ist das Kon- zept ein inszenierter Blick in Ihr Innerstes?
Es ist schon ein Einblick in meinen Kopf; ein sehr intimer Einblick, ehrlich gesagt. Die Synästhesie, diese besondere Kopplung, ist die Grundlage des Konzepts. Für mich ist das ein endloser Brunnen an Inspiration – ich genieße meine Synästhesie sehr. Es war für mich klar, dass ich in meinem Leben etwas machen möchte, in dem das dann auch irgendwie zum Einsatz kommt. Und das hilft mir zum Beispiel sehr bei Texten und beim Filmemachen.
Was kann der Regisseur Émile Schlesser von seiner Rolle als Multi- mediaspezialist in diesem Projekt lernen?
Sehr viel. Ich komme ja eigentlich aus der Bildenden Kunst. An der Düsseldorfer Kunstakademie habe ich unter anderem als Student bei Markus Lüpertz in der Malerei meinen Ausdruck gesucht. Das hat sich mit dem Studium immer mehr Richtung Installationen und letztlich in den Filmbereich verschoben. Im Hinterkopf hatte ich immer diese große Liebe und Faszination für das Kino, seine Geschichten und klassisches Storytelling mit Anfang, Mitte und Schluss.
Irgendwann wurde es mir dann in der Kunstwelt zu abstrakt. Dass ich dann mitten in der Coronazeit für den Kurzfilm,,Superhero" ausgezeichnet wurde, hat mir einen weiteren Schubs gegeben, mich auf den Film zu konzentrieren. Und andererseits war dieses Projekt, das wir seit Jahren vorbereiten, auch immer da. So kann ich erstmals diese ganze Bandbreite meiner Ausdrücke einbringen. Es ist die perfekte Brücke: Ich kann alles, was mir wichtig ist und was ich gerne mache, wofür mein Herz schlägt, miteinander verbinden; eben auch eine ganz besondere Geschichte über eine Stunde zu erzählen.
Es gibt quasi einzelne Szenen, eine kleine, wie eine auch ganz große Dynamik und Dramaturgie – Wechselspiele zwischen Laut und Leise, Groß und Klein, Hell und Dunkel zum Beispiel. So hilft dann auch der Regisseur dem Multimediakünstler, eine emotional aufwühlende Welt zu schaffen. Und die Grundlage davon waren gezeichnete Storyboards, wie man sie auch für den klassischen Spielfilm machen würde.
Interview: Daniel Conrad
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The Making of "Kowalsky" – Directors Notes →
A Mother and Son Fall Into a Toxic Masquerade in Émile V. Schlesser’s Darkly Twisted Satire ‘Kowalsky’
DN last spoke with filmmaker Émile V. Schlesser last year for Superhero, an endearing portrait of a young man with Downs syndrome who adopts a heroic identity to confess a lifelong love. At its heart, it was a humbling drama about the masks we all choose to wear on a daily basis. For his latest short Kowalsky, however, Schlesser has successfully flexed his directorial abilities and ventured into a genre that couldn’t be further from the charming textures of Superhero, the world of comic satire. The film is a darkly twisted comedy about the toxic masquerade between the mother and son of a wealthy family whose fortune is crumbling around them. DN is pleased to share Kowalsky for our audience today alongside an informative conversation with Schlesser where he outlines the melting pot of genre conventions that Kowalsky was born from alongside the screenwriting challenges he faced in creating unlikeable yet compelling characters.
Kowalsky is a jump both in narrative but also in tone from Superhero, where did it start for you?
The first impulse was a formal one. After my last short Superhero I had the urge to do something completely different, explore other flavours, another visual language. I wanted to create a world that’s artificial, orchestrated and somewhat camp, and play with those facades if you will. I wanted to have fun with style, textures and palettes, and mash together a tasty blend of genres. I used to work as a cartoonist for newspapers when I was a teenager, so I have a thing for dark humour. At the same time, that Hitchcockian grammar for suspense is something that excites me enormously. Psycho had a huge impact on me. I think it shows. As did Whatever Happened to Baby Janee by Robert Aldrich. Kowalsky owes a lot to the Hagsploitation genre, although I prefer the term Grande Dame Guignol. During the writing process I kept going back to these films, especially the early 1960s era. They were cheap and dirty and evil, but just so much fun. There’s definitely some of Bette Davis and Joan Crawford in the character of Mimi Kowalsky.
I wanted to have fun with style, textures and palettes, and mash together a tasty blend of genres.
How did you make sure that your characters had depth and didn’t just become caricatures of those performers?
On a deeper level, the characters are based on people near and dear to me. Most of what happens in this film is rooted in my own family and a few actual tragi-comic occurrences. I know these characters and their situations very well. Until recently, that’s what I thought they were, caricatures of my relatives. In retrospect, I realize that it was actually about my own fears and what I was going through at the time. I had to poke fun at my demons, in a way. I must have been too much of a coward to confront these fears head-on, so it had to happen in a playful manner. It’s like a wacky cathartic nightmare where deep-rooted problems bubble up as symbols and metaphors.
They’re both clearly quite flawed but also so compelling. How do you ride that balance?
I think the biggest challenge was to portray the main characters in a way that the audience would follow them since they’re both so selfish and unlikable. I actually love unlikeable characters, but you still have to show the motivation behind their despicable actions. Before and during production, I spent a lot of time with the actors, Raoul Schlechter and Josiane Peiffer, to figure out their cadence and behavior. Their performances were crucial. Much of it was finding the sweet spot between sincerity and fakeness since the characters are constantly lying and pretending. It was important for us to not judge them, even if we didn’t approve of what they did or said. It eventually came together in the edit but for a while, I wasn’t too sure if that balancing act was going to work.
How long was the shoot and similarly preproduction? I read that you shot this during a tricky time in the pandemic.
We shot it in five days, but preproduction took forever, due to the countless delays we had to endure because of the pandemic, which then created scheduling issues, etc. So I used that time to prepare meticulously. I love that part where everything is possible, and you still have that initial childish excitement, mixed with nervousness about how it’s going to work. Visualizing it in every last detail is just so much fun. I collected tons of references, created look books and a playlist with mood music. I made storyboards for the entire thing, which I then animated and edited, adding dialogue, sounds, and temp music. So we basically had a finished animatic of the whole film. Even if it was pretty rudimentary, it helped get everybody on the same page and get them excited for the shoot.
Then, of course, reality kicks in and throws it all out of orbit. It’s great. All of a sudden, you see the stuff that seemed to work so beautifully in your mind, looks like shit when you try it out. You need to embrace that. I love to be surprised by the actors and what everybody brings to the table. I always think of a film as a wild animal that you try to tame, but eventually becomes what it needs to be.
I think the biggest challenge was to portray the main characters in a way that the audience would follow them since they’re both so selfish and unlikable.
The production design of Kowalsky is packed with hints about these characters, was there a specific approach you took in terms of detailing these people through their environment?
The production design is probably where we had the most fun. We went to great lengths to make sure the textures and minutiae were not just interesting and lush but conveyed a sense of a coherent world that makes these characters feel like they actually lived in this place all their life. A lot of love went into every little detail, and thanks to the pandemic-related delays, I had the time to create elaborate mood boards and look books for the world I wanted. I then shared these with our Production Designer Audrey Dhyvert and her team, and they came up with so many incredible ideas and suggestions. I think Audrey really enjoyed working on this project because she really put some serious thought and energy into this.
The overriding tension between them is almost like a third character. There’s that constant uncomfortable atmosphere always in the background.
This film is all about atmosphere, so the music plays another key part. I really took my time on this. I basically put myself in lockdown with my piano and Ableton for a month. I was all into Bernard Hermann during prep, so I had a precise idea of where it needed to go. The rhythm of the music had to echo the ticking of the cuckoo clock, which plays a central part in the film, metaphorically as well as plotwise. Unconsciously, the cuckoo clock is present throughout. It was vital to find the right tone and mood. The score is like the special adhesive that glues all the other parts together and makes it all feel like one solid piece. I think it sells the atmosphere, where you know from the start that this isn’t going to be just slapstick comedy. Something evil is lurking in the dark.
The score is like the special adhesive that glues all the other parts together and makes it all feel like one solid piece.
What are you hoping audiences get from watching Kowalsky for the first time?
Kowalsky is not exactly meant to be sweet and pleasing, nor is it a character study. You might call it an “exercice de style”. If we did our job right, people will hopefully enjoy it as a searing satire with unexpected twists and turns, and an engaging mélange of different flavors. For those who want to dig deeper, I added layers to be discovered, details might only reveal themselves on a second viewing. At the very least, I hope people will be entertained, gasp and have a chuckle or two.
The move from Superhero to Kowalsky is quite the stylistic jump, can we expect another equally ambitious move for your next creative project?
I want to tackle my next big step, which is a first feature. I think I’m ready now. I’m currently working on the script. I also have two projects for TV shows in development, we’ll see how it all goes. In parallel, I’m staging a large-scale immersive audiovisual spectacle called Synaesthesia, in collaboration with a well-known Luxembourgish Jazz trio, for the European Capital of Culture. I like to keep busy. Making up for lost time.
Directors Notes
directorsnotes.com
KOWALSKY – Omeleto →
Kowalsky
BY EMILE V. SCHLESSER
A man begs his mother for money after their family's fortune falls apart.
The Kowalsky family was once powerful and wealthy, but over the years the fortune has dissipated and the members themselves have scattered. But the only son, Jean, is now visiting his widowed mother to beg his mother for money to provide for his new family. The mother is bitter and resentful of her son, and the ensuing row causes years of conflict and anger to bubble to the surface.
Written and directed by Emile Schlesser, this short drama is about family, but there's nothing warm and fuzzy about the Kowalskys. Bitter, vengeful and petty, the Kowalskys may now be in decline, but the matriarch still has the entitlement and snobbery of wealth and privilege, and when her son comes to ask for money, she lets him know her low opinion of him in no uncertain terms.
The film has an intriguing complexity of tone, with elements of melodrama, film noir and dry, dark comedy coming together to embody the peculiar and toxic atmosphere of the Kowalsky family. The gaudy yet seedy production and costume design particularly evoke wealth and glamour gone to seed, an overly busy opulence poisoned by years of neglect and resentment that's captured with ironically elegant camerawork and framing. The dialogue, too, captures two characters wrangling over pent-up frustrations, with actors Josiane Peiffer and Raoul Schlechter both playing two family members with different temperaments but still dysfunctionally connected over their mutual disappointment in one another.
After their final argument, the film's plot veers in an unexpected direction, leaning into artful, almost sinister suspense that pitched, beat by beat, to pull us into a web of deception and deceit -- with perhaps a touch of farce to leaven the darkness. But it sets up a final confrontation -- one that ends with a seething yet pathetic note that captures the Kowalsky family name.
Terrible families have long been a staple of storytelling, starting from Greek mythology and onward, but the darkly witty "Kowalsky" has a particularly heightened, stylish take that entertains and amuses, even as it captures the toxic influence that parents can exert over their children. Even well past childhood, a selfish, cold and judgmental parent can hurt their progeny with a single contemptuous glance or comment. And though it ends with a seemingly happy ending, the film has an arch, knowing insight into how cycles of dysfunction can continue, even when we think we're free of family trauma and suffering. Just when you think you've escaped... you never know when something will come back to haunt you.
Omeleto
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Arttourist Interview →
SYNAESTHESIA
RDW TRIO + ÉMILE V. SCHLESSER
Immersive Jazz Esch2022
Im November werden der Multimediakünstler Émile V. Schlesser und das Jazz-Trio Reis-Demuth-Wiltgen ein einzigartiges, immersives Jazz-Event präsentieren. Auf einer 360-Grad-Bühne inmitten des Publikums werden der Pianist, der Kontrabassist und der Schlagzeuger das Phänomen der „Synästhesie“ untersuchen, indem sie ihre speziell zu diesem Zweck konzipierten Jazzkompositionen mit den 3D-Klanglandschaften des bildenden Künstlers verschmelzen lassen. Wir sprachen mit dem in Luxemburg geborenen Émile Schlesser, der an der Kunstakademie Düsseldorf studierte, von 2007 bis 2009 Malerei bei Markus Lüpertz, anschließend Video & Film bei Marcel Odenbach. 2018 schloss er sein Kunststudium mit dem Titel „Meisterschüler“ ab und schlug den Weg des Films ein. Sein Film „Superhero“, mit Maria Dragus und Jannik Schümann in den Hauptrollen, ge- wann 2020 den 13th Street Shocking Short Award, der jedes Jahr von NBC Universal beim Filmfest München verliehen wird. Sein künstlerisches Schaffen erstreckt sich vom narrativen Kurzfilm über Installation und kinetische Skulptur bis hin zur Malerei.
Wir sprachen mit Émile Schlesser über das Projekt.
Wie kamen Sie von der Kunst über den Film zur Immersive Art und jetzt zum Immersive Jazz?
Wenn man die Frage so stellt, würde man annehmen, es hätte in der Vergangenheit klare Abschnitte gegeben. So war es nicht. Die verschiedenen Künste gingen für mich immer Hand in Hand. Ich habe nie den Unterschied gemacht zwischen visueller Kunst, Film oder Musik. Im Gegenteil, der Wunsch war immer, einen Weg zu finden, diese Musen miteinander zu vereinen, mich sowohl in der bildenden Kunst als auch im narrativen Film auszutoben. Musik spielt auch eine besonders große Rolle, jedoch habe ich nie ernsthaft in diesem Feld eine Karriere angestrebt. Mit SYNAESTHESIA bietet sich die Chance, all meine Leidenschaften zu einer perfekten Symbiose zu verschmelzen.
Was war der Impuls, sich von der Kunst ab- und zum Film hinzuwenden?
Von einem pragmatischen Aspekt her hat es natürlich mit Zeitmanagement zu tun. 24 Stunden am Tag reichen nicht aus, um in mehreren Feldern gleichzeitig produktiv zu sein und eine Disziplin wirklich zu beherrschen. Alleine der Zeitaufwand für die Entstehung eines Films ist viel größer, als man vermutet, und verlangt vollste Aufmerksamkeit und Hingabe. Jedoch würde ich behaupten, dass man sich nie gänzlich der Kunst abwenden kann, wenn man so lange in dieser Welt mit ihren besonderen Denkmustern gelebt hat. Vom Kunstmarkt, ja. Aber der Kunst an sich? Kaum.
Was kann der Film, was die Kunst nicht kann, und filmt Émile Schlesser anders als er malt?
Was mich besonders am Film reizt, ist die Möglichkeit, die Welt für kurze Zeit durch fremde Augen zu erfahren. Man wird in das Leben eines anderen Menschen versetzt, fühlt, sieht und versteht Dinge plötzlich anders, als das, was man durch die eigene Subjektivität erfährt. Wie ein wacher Traum, oder eine Art „out-of-body-experience“. Das stärkt das Empathie-Empfinden unter den Menschen ungemein und ist daher nicht unbedeutend für das Funktionieren einer Gesellschaft. Das kann der Film besser als alle anderen Kunstformen.
Meine Zeit als reiner Maler liegt schon etwas zurück. Im Laufe meines Studiums an der Düsseldorfer Kunstakademie hat sich die Malerei in andere Medien verwandelt, insbesondere Installation. Ich habe mich damals auch schon weniger als „Maler“ und eher als „Bilderproduzent“ verstanden. Egal bei welcher Kunstform, mein Ziel ist immer, etwas zu erschaffen, das etwas in einem auslöst, etwas in Bewegung setzt. Sowohl emotional als auch auf einer intellektuellen Ebene. Es muss Fragen aufwerfen, Interpretationsebenen schaffen, darf aber gleichzeitig unterhalten. Eine Arbeit muss uns träumen und fühlen lassen, zum Grübeln und Schmunzeln anregen. Das Faszinierende ist für mich letztendlich das Spiel mit der Illusion – ob das nun Farbpigmente auf Stofflappen oder Pixel auf einem Bildschirm sind. Das Magische besteht darin, aus Künstlichkeit reale Emotionen entstehen zu lassen.
Wie kam es zur Zusammenarbeit mit dem Jazz-Trio Reis-Demuth-Wiltgen?
Ich arbeite seit ungefähr elf Jahren mit dem Trio. Besonders mit Pianist Michel Reis, den ich schon etwas länger kenne. Ich bewunderte ihn schon als Kind, als er (nur wenig älter als ich) schon als „Wunderkind“ am Klavier galt. Irgendwann habe ich ihn nach einem seiner Konzerte angesprochen und meinte – rotzfrech –, ich würde später mal Filme drehen, für die er die Musik schreiben würde. Ein paar Jahre später hat das Trio mich gefragt, Musik-Videos für sie zu drehen. Mittlerweile ist eine echte Freundschaft zu den dreien entstanden, und es ist immer ein großer Spaß, zusammen neue Projekte anzugehen. Ich habe nichts als Bewunderung für ihr Talent, dem Jazz eine neue Seite abzugewinnen, musikalische Welten und Geschichten aus Holz und Metall her- auszuholen. Das Spiel mit der Illusion wieder einmal!
Anlässlich der Kulturhauptstadt Esch2022 entwickeln Sie zusammen das Immersive Jazz Projekt „SYNAESTHESIA“. Was verbirgt sich dahinter?
Das Trio und ich haben für Esch2022 ein Konzept entwickelt, das den Spagat zwischen mehreren Kunstformen schlägt. Für Ende November planen wir im luxemburgischen Dudelange, nahe Esch, ein audiovisuelles, immersives Spektakel, das wie eine Mischung aus Konzert, Kunstinstallation und Filmprojektion scheint, aber in Wirklichkeit weder noch ist.
In was taucht das Publikum ein, welche Sinne sprechen Sie mit Ihrem Projekt an?
SYNAESTHESIA lässt sich als eine multisensorische Erfahrung beschreiben. Eine begehbare Rauminstallation mit 360-Grad-Video-Projektion auf mehreren Ebenen, umgeben von musikalischen Klangwelten, die in Bilder, Farben und Bewegung übersetzt werden. Audio und Video sind perfekt aufeinander abgestimmt, gehen Hand in Hand und werden zu einer symbiotischen Einheit verflochten. Das Ganze wird, ähnlich einer Oper, als kontinuierliche Narrative durchkomponiert, sodass es uns auf eine völlig immersive Reise mitnimmt.
Die Idee dazu entstand aus dem Wunsch, Synästhesie auf spektakuläre Art greifbar zu machen. Synästhesie ist das neurologische Phänomen, bei dem mehrere Sinneswahrnehmungen untrennbar miteinander verschmolzen sind. Ich selbst bin Synästhetiker, war mir dessen aber lange Zeit nicht bewusst, da es für mich alltägliche Normalität ist. Bis zu einem gewissen Grad hat jeder Mensch eine synästhetische Tendenz. Ich glaube vor allem im Schlaf, wenn sich im Gehirn neue Synapsen bilden und die eigene Imagination zügellos draufloskonstruiert, kommt das Zusammenspiel von Sinnen besonders zum Vorschein. Man sieht Dinge, die man eigentlich hören sollte, schmeckt, was man fühlt, hört, was man berührt, usw. Dies versuchen wir mit SYNAESTHESIA erfahrbar zu machen. Wie ein großer, gemeinsamer Trip. Man soll völlig darin aufgehen können.
Welche Technik kommt zum Einsatz?
Es wird hier keine klassische Kino- oder Konzertsituation geben, wo Musiker vor einem Publikum stehen und alles in einer Achse stattfindet. Das genaue Gegenteil trifft es eher: Die Performer sind größtenteils unsichtbar, ziehen sozusagen hinter den Kulissen die Fäden, um die Illusion in den Vordergrund zu stellen. Es geht vor allem um die sensorische Erfahrung. Die Zuschauer befinden sich in einer frei begehbaren „Arena“, wo um sie herum ständig etwas passiert. So kann die Erfahrung beim zweiten Mal eine völlig andere sein.
Wie die technische Umsetzung im Detail nachher aussieht, wird natürlich vom Inhalt diktiert, und dieser befindet sich momentan noch im Fluss. Fest steht, es ist ein begehbarer Raum, der von Projektionsfläche umkreist ist. Wir werden mit semi-transparenten Leinwänden arbeiten, um an bestimmten Punkten den Blick durch das projizierte Bild hindurch zu ermöglichen. So werden die Performer im Hintergrund sichtbar und in das Geschehen mit eingebunden.
Immersive Produktionen werden für Räume geplant und zugeschnitten, was eine gewisse Exklusivität und Einmaligkeit darstellt. Es sei denn, es ist eine der boomenden Blockbuster Immersive Art Shows wie Van Gogh, Monet oder Frida Kahlo, die durch die ganze Welt geschickt wer- den. Was passiert mit „SYNAESTHESIA“ nach Esch2022?
Das ist noch völlig offen und hängt natürlich von der Rezeption letztendlich ab. Wichtig wäre zumindest eine gute Dokumentierung des Projektes, was sich auch als eine Herausforderung darstellt. Das ginge eigentlich nur mit virtual reality. Momentan wollen wir uns noch nicht zu sehr mit dem, was folgt, beschäftigen. Erst müssen wir uns völlig auf die eigentliche Kreation konzentrieren.
DAS GESPRÄCH FÜHRTE KAI GEIGER
Arttourist
arttourist.com
Film Threat Review: Kowalsky →
"…has a bite at the end."
Life would be so much less complicated if we could learn to talk to one another. Émile V. Schlesser’s Kowalsky is a dark comedy about a family who would rather play one another than tell the truth.
Family matriarch and recent widow Mimi (Josiane Peiffer) is annoyed by the unexpected visit from her son, Jean (Raoul Schlechter), and his pregnant girlfriend, Eva (Titiana Santos). Once a wealthy family, the Kowalski fortune has dwindled, yet Jean hopes to receive some financial help for himself and Eva. On the other hand, Mimi is upset that Jean only comes to visit because it’s the holidays or he needs help. When Mimi refuses his financial request, Jean sneaks into her home late at night, hoping to find something to sell. What he finds changes everything.
“…the Kowalski fortune has dwindled, yet Jean hopes to receive some financial help…”
Kowalsky is not just a saga of a family who has fallen into hard times, but a story of a family of grifters playing each other to get what they want. I get the innate appeal. What’s the fun in watching a family be honest with one another? Writer/director Schlesser is brilliant in giving us a vast amount of back story simply through ingenious production design, costumes, and make-up. He’s also equally clever in using family and sentimentality to progress the con. This short comedy is simple, sweet, and has a bite at the end.
KOWALSKI (2022)
Directed and Written: Émile V. Schlesser
Starring: Josiane Peiffer, Raoul Schlechter, etc.
MOVIE SCORE: 8/10
Film Threat
filmthreat.com
WDR WESTART Portrait →
Das Universum des Künstlers Émile V. Schlesser
Er schafft mit Bildern seine eigene Welt: der Künstler Émile V. Schlesser. Bisher hat er sieben Filme und mehrere Musikvideos gedreht. Der erste große Spielfilm ist in Planung. Und demnächst wird Émile V. Schlesser mit dem Jazztrio "Reis Demuth Wiltgen" für die Europäische Kulturhauptstadt Esch Klangwelten in Bilder übersetzen. Westart über einen jungen Künstler, der viel vorhat.
UK Film Review: Kowalsky →
A mother and her son have a disagreement regarding family assets.
A man (Schlechter) pays a surprise visit to his mother (Peiffer) at her home. He rarely visits her and things between them are not too good, particularly due to the fact that she holds him responsible for the downfall of the family's company. He is desperate and asks her to give him her jewels and she refuses as she is very emotionally attached to them. Her son then decides to resort to extreme measures.
This short film from Luxembourg is a dark comedy drama that also contains elements of thriller. The main focus is the unstable and sad relationship between the mother and her son. The two of them
have significant differences, argue and say nasty things to each other, creating a great deal of drama. There is also suspense, humour and tragedy. The screenplay includes well-written dialogue and explores themes of family values, betrayal and the importance of maintaining family legacy.
Both protagonists deliver great performances. Peiffer is a frail, widowed, elderly woman who is also not afraid to stand up for herself and say what is on her mind. Schlechter plays her pathetic, clumsy and cunning son and he is also the one who adds the most comedy to the story, with his slapstick actions. Generally, Peiffer is more dramatic and in some ways Schlechter provides the comic relief, however both of them have their serious moments.
The mise-en-scene includes expensive decorations and furniture inside the mother's home, indicating that they are wealthy. Schlesser also composed the music and the result is a score that is sinister, tense and includes wonderful violin work. The editing is well done and includes a well-executed match cut. Praise also goes to the rather creative and stylised closing credits.
This is a very well made short, with strong acting, an interesting plot and beautiful cinematography by Vitalijus Kiselius. It is a viewing experience that offers drama, confrontations and comedy and it is worth pursuing.
UK Film Review
ukfilmreview.co.uk
The New Current: Interview →
17th ÉCU – The European Independent Film Festival 2022
Interview
Kowalsky Émile V. Schlesser
Section: European Comedy Film
Hey Emile, thank you for talking to The New Current again. How have you been holding up during these very strange times?
It’s scary but fascinating. It feels like we’re going through a period where everything needs to change. Many things have to be reconsidered, on a global scale as well as in our personal lives. During the last two years, a lot of crazy shit happened – not all of it was bad. I like to observe how it all unfolds. If we make it out alive, taking the right turns, I think we’ll be looking back at this as a deeply formative time.
Has this time offered you any new creative inspiration or opportunities?
Oh, yes. For one, it forced me to make a tough decision about which path of action I should take. Coming from an art background, having studied painting at the Kunstakademie in Düsseldorf, my goal has always been to be both a visual artist and a filmmaker. And I really wanted to be great at both. It’s not impossible, but very hard to pull off with only 24 hours a day. Filmmaking in itself is overwhelmingly time-consuming. The introspection forced on all of us by the pandemic made me realise that in order to master either, I would need to focus my energy on one thing right now. That felt like having to cut off my left arm. Then, unexpectedly, I won this award for my last short film, “Superhero”, which gave me that motivational push when I needed it most. My infatuation with filmmaking and storytelling eventually won the battle. I gave up my studio and started writing scripts, like in a creative frenzy. It all makes sense now.
The last time we spoke was for your powerful award-winning short film “Superhero” which played a lot of festivals. What do you think it was about this film that connected with audiences so much?
Without a doubt, I think it’s the performance of Nico Randel, our lead. Finding an actor with Down Syndrome who could pull off this demanding role was a tough quest, but I am so glad we found each other. Nico is a fascinating man and a versatile artist in his own right. The way he was willing to open himself up in front of the camera, his eagerness to get it right and his courage to overcome his fears was touching. I think audiences worldwide really connected with his honest emotional rawness.
Did you envision you would get this type of reaction to “Superhero”?
I did not. Also, I didn’t want to envision anything. I think you have to free yourself from expectations. That’s just your ego saying hi, wanting to be loved. I knew Nico delivered a knockout performance, but you never know how things will go or how audiences will react. Of course, you secretly hope they’ll see what you’re seeing – but in the end, the only thing you have control over is putting your heart and soul into the work, and not letting go until you feel you gave it your all.
Congratulations on being back for the 17th ÉCU Film Festival with your latest short, “Kowalsky”, what does it mean to you to be back at the festival?
Thanks! It’s an honour to be back. The journey of “Superhero” started here, so I take it as a good sign. I’m glad the lovely guys at ÉCU gave me another chance to show my work, especially since “Kowalsky” is something so completely different from my previous films.
“I WANTED TO PLAY WITH STYLE, HAVE FUN WITH TEXTURES AND PALETTES, AND ESPECIALLY TRY AND MASH TOGETHER A TASTY BLEND OF GENRES. I USED TO WORK AS A CARTOONIST FOR NEWSPAPERS WHEN I WAS A TEENAGER, SO I HAVE A THING FOR DARK HUMOUR.”
Can you tell me how “Kowalsky” came together, what was the inspiration behind your screenplay, and what was the message you wanted to convey with this film?
From a formal aspect, the impulse was to explore a different flavour, another visual language. I wanted to create a world that’s completely artificial, staged and theatrical – and then tear the facades down, so to speak. I wanted to play with style, have fun with textures and palettes, and especially try and mash together a tasty blend of genres. I used to work as a cartoonist for newspapers when I was a teenager, so I have a thing for dark humour. At the same time, that Hitchcockian orchestrated approach to suspense is something that excites me enormously, so I wanted to try that, ("Psycho" had a huge impact on me. I think it shows). So, you might call it an exercise de style.
On a deeper level, the story and characters come from a very personal place. Most of what happens in this film is rooted in my own life, my family, people near and dear to me, and actual tragic-comic occurrences. I know these characters and their situations very well. Until recently, that’s what I thought they were – caricatures of my relatives. But as it turns out, they’re all me.
When I started writing the script, I thought it was inspired and based on other people’s dilemmas. In retrospect, I realise that it was actually about my own fears and what I was going through at the time. I had to poke fun of my demons here, in a way. It’s an exorcism of self-doubt and fear of failure. For a long time, I had such high expectations of myself that it became paralysing. I was choking on my own ambitions. Nothing I did was good enough, and my self-criticism could get really mean at times. I could feel my greedy ego wanting, needing perfection and success – but all it engendered was a constant feeling of inaptitude.
I must have been too much of a coward to confront these fears head-on, so it had to happen in a playful manner. It’s like a wacky cathartic nightmare where deep-rooted problems bubble up as characters, symbols, and metaphors. It sounds pretentious, but it’s almost Jungian. It’s about moving out of that toxic relationship with one’s own critic, that rotting house we sometimes live in.
How close were you able to keep to your script once you started filming, did you allow yourself and your cast much flexibility?
I prepared meticulously. Nothing was left to chance. I collected tons of references, created mood boards, look books, and a playlist with mood music. I storyboarded the entire thing, which I then animated and edited together, adding dialogue, sounds, and temp music. So we basically had a finished animation version of the script. It was a good way to get everybody on the same page and get the whole team excited about the shoot.
Then, of course, reality comes in and throws it all out of orbit. I love it. All of a sudden, you see the stuff that seemed to work so beautifully in your mind, looks like shit when you try it out. You need to embrace that. I love to be surprised by the actors and what the crew brings to the table. I always think of a film like a wild animal that you try to tame, but eventually becomes what it needs to be.
When working on a short like “Kowalsky”, due to all the creative roles you take on, what were some of the challenges you faced bringing this short to life?
Obviously, restraints and delays due to the pandemic didn’t make things easier, but I think the biggest challenge was to portray the main characters in a way that the audience would follow them since they’re both so “unlikable”. The protagonists act out of utter selfishness, but we had to show the reasons and motivation behind their despicable actions. That was already a big hurdle at the writing stage. Before and during production, I spent a lot of time with the actors, Raoul and Josiane, to figure out their cadence and behaviour. Their performances were crucial. Much of it was finding the sweet spot between sincerity and fakeness, since the characters are constantly lying and pretending. It was important for us to not judge them, even if you didn’t approve of what they did or said. It eventually came together in the edit. But for a while, I wasn’t too sure if that balancing act was going to work.
This film is all about atmosphere, so the music plays another key part. It was vital for me to find the right tone and mood. The score is like the special adhesive that glues all the other elements together and makes it all feel like one solid piece.
How much has your writing and directing style evolved since your debut short film?
With everything you do, every line you write, every decision you make, you get more assured. You learn to listen to that inner voice and trust your gut feeling. So much of filmmaking is about overcoming that fear of making wrong decisions. You have to keep your eye on the big picture while acknowledging that it might evolve and morph into something else. I learned to trust that the film, this wild animal, knows best what it wants to be. I’d say I now listen more than I did in the beginning.
Do you think filmmakers should continue to push the boundaries of the stories they want to tell?
That’s what it’s all about. Otherwise, why even bother? Of course, it’s very tempting to recreate something that has been done well before, that resonates with you as an audience member. But the trick, I think, is to use this inspiration and build on it, recombine it, turn it on its head to find something fresh. The old engenders the new, that’s basically art history. Everything grows out of what came before it.
What would your top tips or advice be for any emerging writer/director?
Filmmaking (or creating any work of art, for that matter) can be very frightening. You put your heart and soul into something, while constantly being confronted with the limits of your capabilities. And then, when it’s all done – and you’ve barely even recovered from the toil – you put it out into the world, you open yourself up for criticism and judgement. You’re vulnerable. It’s like you put your heart and soul on the line for it to be potentially attacked. But if an audience responds and resonates with what you’ve created, there’s no other feeling in the world that compares to that.
I would say, don’t fear that fear. Don’t even try to get rid of it. It won’t go away. You have to learn to live with it. The trick is to overcome it every day. It shouldn’t be an excuse. Do it nonetheless.
And finally, what do you want people to take away from “Kowalsky”?
I’m sure some will love it, others won’t. It’s not exactly meant to be sweet and pleasing. If we did our job right, people will hopefully enjoy it as a searing satire with unexpected twists and turns, and an engaging mélange of different flavours. For those who want to dig deeper, I added layers to be discovered, details and undercurrents that might only reveal themselves on second viewing. At the very least, I hope people will be entertained, gasp and have a chuckle or two.
The New Current
thenewcurrent.co.uk
ARTE : Portrait Émile V. Schlesser →
The ARTE Twist team visited Émile V. Schlesser in Düsseldorf and chatted with him about his recent short films, moving from artist to filmmaker, and his upcoming project for Esch2022.
français
deutsch
RTL Kultur Podcast Interview →
Klick fir ze lauschteren!
PodPurri - mir schwätze Kultur heescht eng Emissioun, bei där mir eis all Woch vum Invité.e op déi Plaz invitéiere loossen, wou hien eis ëmfänke wëll.
D'Passioun fir de Film hat hie scho vu klengem un, mee och Konscht a Molerei spillen eng wichteg Roll a sengem Liewen. "Kowalsky" heescht de neie Kuerzfilm vum Émile Schlesser, deen aktuell awer och un long métrage schafft. Donieft huet de Filmkënschtler mam Claudia Kollwelter iwwert säin Nomadeliewen tëscht Düsseldorf a Lëtzebuerg geschwat, e grousse Projet am Kader vun Esch2022 an erkläert wat et bedeit Synästhetiker ze sinn.
Podpurri - mir schwätze Kultur, dat ass 3 Mol d'Woch um Radio, op RTL.lu, op RTL Play an als Podcast op Spotify an iTunes.
MONOPOL MAGAZIN: Wie Klingt Rot? →
Der Filmkünstler ÉMILE V. SCHLESSER lädt mit dem Jazz-Trio REIS DEMUTH WILTGEN zum multimedialen Erlebnis.
Er studierte beim letzten deutschen Malerfürsten Markus Lüpertz - und stellte fest, dass es ihn doch mehr zum Film zieht. Seinen Abschluss an der Düsseldorfer Kunstakademie machte Émile V. Schlesser vor drei Jahren als Meisterschüler von Marcel Odenbach, einem Pionier der Videokunst. Schlesser dreht heute vor allem Filme, lebt in Düsseldorf und spricht akzentfrei Deutsch. Er sei eben „wie praktisch jeder Luxemburger" viersprachig aufgewachsen. Für den Künstler bedeutet seine Herkunft aber auch, jedes Treatment und jeden Drehbuchsatz in eine Fremdsprache übersetzen zu müssen, denn die wenigsten Nichtluxemburger verstehen „Letzebuergesch".
Das Übertragen von Inhalten aus einem Bedeutungssystem ins andere ist, wenn man so will, auch das Thema von Emile V. Schlessers Beitrag zu Esch2022. Unter dem Titel „Synaesthesia" wird der 34-jährige gemeinsam mit dem luxemburgischen Jazz-Trio Reis Demuth Wiltgen binnen zehn Tagen 20 Live-Auftritte absolvieren, vom 7. bis 17. Juli 2022. Die Künstler werden dabei unsichtbar bleiben, die jeweils nur 50 Zuschauer dagegen im Zentrum des Sockels des ehemaligen Hochofens C sitzen, der eine Art Plattform bildet, umgeben von einer transluzenten Leinwand, auf die Schlesser seine holografischen Projektionen wirft. Film und Jazz sollen eine multimediale Einheit bilden, so wie Töne und Buchstaben es für ihn immer schon taten. Der Maler und Filmemacher ist nämlich Synästhetiker, erzählt er. Das sei ihm aber erst spät im Leben wirklich bewusst geworden, er fand es eben normal, dass er Töne automatisch mit Farben visualisiert.
Sehen oder hören kann man von „Synaesthesia" im Moment noch nichts - gerade werden die Bilder geschaffen und die Musik komponiert, was immer nur gleichzeitig geht, so eng sind die Komponenten des Spektakels aufeinander bezogen. Den visuellen Part vergleicht der Luxemburger mit einem LSD-Trip, als audiovisuelles Spektakel - der Socle C mit seiner postindustriell-brachialen Ästhetik wird zur Bühne eines Farbrausches. Die Kooperation des Pianisten Michel Reis, des Kontrabassisten Marc Demuth und des Schlagzeugers Paul Wiltgen mit Emile V. Schlesser wird wohl einer der aufwendigsten Beiträge von Esch2022 sein.
Immerhin kennt man sich: Das Trio spielt seit 2002 zusammen und Schlesser drehte bereits mehrere Videos für die drei Musiker. Nun stürzen die Luxemburger sich in ein Projekt, für das jeder neu denken muss. „Wir bauen wirklich eine Geschichte zusammen. Das geht weit darüber hinaus, für ein Klaviertrio zu komponieren. Es ist unser konzeptuellstes Werk bislang", kommentieren die Musiker.
VIS-A-VIS Culture.lu →
Il est jeune et dans la force de l’âge, il a un joli appartement dans un nouveau quartier où il fait du télétravail. Bref, tout semble aller bien pour lui. Du coup, le coronavirus, la pandémie, les morts… il a beau en être conscient, mais tout ça ne le touche pas outre mesure. Fatigué d’être à l’isolement, il a commencé depuis quelques jours à faire la fête, dans son salon, avec une bande d’amis.
Le soir, avec les rideaux à moitiés baissés, ils boivent, fument, dansent, s’enlacent, partagent leurs bouteilles… comme avant. Même le décès, il y a trois semaines, de sa grand-mère ne freine pas chez le jeune homme ce besoin viscéral de retrouver du lien humain, de se sentir vivant à nouveau. Attention, le jeune homme est loin d’être un je-m’en-foutiste, il n’hésite d’ailleurs pas à aller aider sa voisine âgée à ramasser ses courses quand celle-ci les fait tomber dans la rue au retour du supermarché. « De quoi nourrir toute la famille » pense-t-il alors que la vieille dame habite toute seule.
Tel est le contexte de Vis à vis, un court métrage de 16 minutes d’Émile V. Schlesser sur la vie et les réflexions de la jeunesse grand-ducale en période de confinement, réalisé dans le cadre du projet Quickies. Lancé pendant la pandémie par l’asbl Filmreakter et les réalisateurs-producteurs Adolf El Assal et Govinda Van Maele, cette série regroupe 18 réalisateurs – ou duos de réalisateurs – qui disposent chacun d’un budget de 2020 euros pour produire un court métrage d’une dizaine de minutes. Les réalisateurs peuvent dépenser cette somme à leur guise et ont carte blanche au niveau du genre ou de la thématique de leur film.
Premier à avoir livré son produit fini, Émile V. Schlesser, qui a sorti l’an dernier Superhero, se penche donc sur la pandémie elle-même et sur la manière dont celle-ci et les différents confinements et autres couvre-feux ont été vécus par les Luxembourgeois et surtout les jeunes adultes du pays.
Un récit tiré d’une histoire vraie
« Le film est tiré d’une histoire vraie » explique le réalisateur. « Pendant le deuxième confinement, en novembre de l’année dernière, nous avons reçu quelques amis à la maison. À un moment de la soirée, après avoir bien fait la fête et avoir bien bu, je suis sorti sur le balcon et j’ai remarqué que la lumière de l’appartement d’une voisine âgée n’avait plus été éteinte depuis plusieurs jours. Je me suis alors demandé ce qui avait bien pu arriver à cette vielle dame et j’ai commencé à m’inquiéter. On a alors appelé la police pour leur faire part de notre inquiétude, mais je n’ai pu obtenir aucune information puisqu’on a pas de liens familiaux ». Il en faut pas beaucoup plus au diplômé de la Kunstakademie Düsseldorf pour écrire Vis à vis.
Un film tourné en mars de cette année, en trois jours seulement – « mais beaucoup d’heures de tournage » souligne le cinéaste – avec ce budget ridiculement bas de 2020 euros. « J’adore cette manière de travailler » note Émile V. Schlesser. « Ça enlève tellement de pression par rapport à certaines grosses productions. C’est comme ça qu’on fait les meilleurs films ! ». Et d’ajouter : « J’aime cette idée de revenir aux fondamentaux, à quand nous étions jeunes et que nous avons tous commencé à tourner des films. Mon frère Tommy (NDLR : qui joue le rôle principal dans le film) et moi avons grandi en tournant des films avec la petite caméra vidéo que nous volions à mon père. Et c’est un peu la même chose que nous avons fait ici ».
Une énorme envie de tournage
Toute l’équipe a accepté de faire le film de manière bénévole et avec les moyens du bord – « les acteurs s’occupaient également du catering » rigole le réalisateur. Le tout par amitié, par intérêt pour le projet, mais aussi parce que « tout le monde avait une énorme envie de nouveaux projets, de tournage et tout particulièrement de reprendre le travail avec un projet court et rapide . Le budget a été utilisé pour la location de matériel et », insiste Émile V. Schlesser, « pour payer les tests PCR pour toute l’équipe et d’autres trucs en lien avec la Covid ».
Vis à vis est donc le premier film disponible sur la plate-forme quickies.lu. Les 17 autres suivront. Sa durée, limitée à 16 minutes, oblige bien évidemment le réalisateur à faire quelques ellipses et quelques raccourcis un peu brusques – la rencontre avec la voisine le jour même de la soirée, l’arrivée puis le départ des policiers… – mais le film est de belle facture, avec ses images au plus près des personnages, son cadre aux mouvements nerveux qui permettent de suivre la discussion entre les participants, sa photographie qui aime jouer avec l’obscurité et les reflets et puis ce casting réussi avec ces acteurs jouant au plus juste et donnant corps à des propos sur la pandémie allant du plus paranoïaque au plus insouciant. « C’est une fiction » rappelle le réalisateur, « mais tous les dialogues tenus par les personnages sont en fait des phrases que j’ai entendues à Luxembourg au sujet de la pandémie ».
Résultat, en un quart d’heure à peine, Émile V. Schlesser parvient à résumer, à travers la création cinématographique, la vie des jeunes luxembourgeois pendant la pandémie, mais aussi, quelque part, les différents avis de la population grand-ducale sur les bonnes et les mauvaises décisions prises par les dirigeants pendant cette période on ne peut plus particulière. C’est fort !
Pablo Chimienti
VIS-A-VIS Revue →
Let’s celebrate
In 16 Minuten fasst Emile V. Schlesser zusammen, was uns ein ganzes Jahr lang beschäftigt hat: «Vis-à-vis» Ein großartiger Kurzfilm zum Thema Verantwortung in der Corona-Krise.
Einer muss immer die Arschkarte ziehen. In „Vis-à-vis“ ist es Schauspieler Timo Wagner. Ihm wird die Rolle des Freundes zuteil, der seine Schutzmaske partout nicht ablegen will und den an- deren nicht um die Ecke traut. Trotzdem hat er die Einladung von Tommy Schlesser zu einer illegalen Party bei sich zu Hause angenommen. Zum Teufel mit dem Corona-Modus. Endlich wieder zusammen sein und ausgelassen feiern... Nicht bis der Arzt kommt, sondern – blöderweise – die Polizei. Nachbarn hätten sich über die zu laute Musik beschwert. Zum Glück weiß der Gastgeber, was seine Rechte sind. Ohne Durchsuchungsbeschluss keine Durchsuchung. Das Bad dürfen die beiden uniformier- ten Beamten demnach nicht betreten. Dort duscht nämlich gerade Sophie Mousel, während Julie Kieffer und Konstantin Rommelfangen sich wahrscheinlich vor Lachen biegen und Timo Wagner ein noch schlechteres Gewissen bekommt.
Schuldig gefühlt hat sich ebenfalls Regisseur Emile V. Schlesser, als er und seine Freundin nach monatelanger sozialer Isolation beschließen, trotz Covid-19-Kontaktbeschränkungen eine Geburtstagsfeier zu organisieren. Und so empfangen die beiden heimlich ein paar Freunde und tanzen zusammen bis in die frühen Morgenstunden. Ähnlich wie Tommy Schlesser in „Vis-à-vis“ tritt der Filmemacher gelegentlich auf den Balkon, um frische Luft zu schnappen. Obwohl er ziemlich viel getrunken hat und in Partylaune ist, fällt ihm nicht nur auf, dass in der Nachbarwohnung Licht brennt, sondern wird ihm zudem bewusst, dass dieses Licht seit mindestens einer Woche nicht ausgeschaltet worden ist. Ob der älteren Frau, die dort wohnt, etwas Schlimmes passiert ist?
Im Kurzfilm bittet Tommy Schlesser (spielt übrigens grandios) die Polizisten, nach dem Rechten zu schauen und ihn wissen zu lassen, ob es der Seniorin gut geht, aber das ist aus Datenschutzgründen nicht möglich. Dass er sich um das Wohl einer Fremden sorgt, während er es in der eigenen Wohnung krachen lässt, bringt die Unsicherheit und die Widersprüchlichkeit in seinem und dem Verhalten vieler anderer auf sehr treffende Art und Weise zum Ausdruck. Monatelang haben wir uns mit Fragen auseinandergesetzt, auf die es keine genauen Antworten gegeben hat, weil wir es mit einem Virus zu tun gehabt haben und nach wie vor zu tun haben, das genauso gefährlich wie unberechenbar ist.
Obwohl „Vis-à-vis“ lediglich eine Momentaufnahme ist, fassen die 16 Minuten die wichtigsten Themen der Pandemie zusammen. Es geht um Verantwortung und kollektive Verletzlichkeit sowie darum, wie die Ausnahme- situation sich auf unsere Beziehungen ausgewirkt hat. Oder hätten Sie sich vor anderthalb Jahren vorstellen können, dass eine Umarmung oder ein Händedruck plötzlich eine Bedrohung für andere darstellen? DasTolle an Emile V. Schlessers Regiearbeit ist deren Kondensierung. Darüber hinaus hat man als Zuschauer das Gefühl, Teil der Geschichte zu sein. Es gibt sozusagen keine Distanz zwischen dem, was erzählt wird, und dem, was man selbst erlebt hat oder hätte erleben können. Auch wenn wir uns momentan ein wenig von der Krise wegbewegen, bleibt dieser großartige Kurzfilm (der erste des von Govinda van Maele und Adolf el Assal ins Leben gerufenen, längerfristigen Projekts „Filmreakter Quickies“) ein wertvoller Beitrag über eine Zeit, die uns auf die Probe gestellt hat und über die wir irgendwann hoffentlich sagen können, dass es eine komische Zeit gewesen ist. Gabrielle Seil
SUPERHERO – Director's Notes →
A Young Down Syndrome Man Adopts a Heroic Identity to Confess a Lifelong Love in Émile V. Schlesser’s ‘Superhero’
In order to muster to the courage to confess his lifelong love Max, a young man with Down syndrome, takes up the mantle of his heroes, the ones born in grand comic book mythology. Émile V. Schlesser’s debut narrative film Superhero is about the masks we all do and don’t wear. It’s about the protection of vulnerability in order to get by in a world which we feel is destined to expose us for who we truly are. Ambitious in its themes, Schlesser’s film is equally ambitious in its production value for a debut short, requiring plenty of crane shots and underwater camerawork. DN queried Schlesser about the actualisation of his grand ideas, his impressively in-depth pre-production period, and working with newcomer Nico Randel to create his heroic performance.
Where did Superhero begin for you?
The basic story elements I had simmering in my head for six or seven years before I even started to put it on paper. At its core it’s very personal, almost autobiographical at times. It deals with issues that bugged me for a long time. If I think back to the time I was growing up, trying to define the person that I would want to become… I think of all the friends I fell out of touch with since. I think of the people I fell in love with, which 99% of the time wasn’t reciprocated. I think of the superhero comics I kept drawing throughout all my school years, missing out on classes but creating my own Marvel universe in the process.
Drawing on that idea, I think, for me, it’s very much a film about the masks we all wear. What drew you to tackle this subject matter on film and what have you learnt in doing so?
For a very long time I’ve been fascinated with how one person can be perceived entirely differently depending on who they are with and what the situation is. I became almost obsessed with C.G. Jung’s theories on the Persona, and how every one of us is more than just one person, almost a myriad of illusions in a way. Although this might seem like a lie or fake, it is vital for social structures to function on an everyday level.
The only character who’s wearing an actual mask in the film is the only one who ironically doesn’t wear a mask.
I didn’t set out to make a film about masks, not even Down Syndrome for that matter. But as I reflected on what it’s all about during the re-write process, I remembered a childhood friend who had trisomy and was always treated differently from the other kids. It then occurred to me that this story is essentially about masks – the persona we all wear in our lives and socio-environment, to conform and behind which we hide our vulnerable selves. What characterises people with Down syndrome is that they do not possess such a social mask. Their behaviour, words and actions are earnest and unfiltered. So in a way, the only character who’s wearing an actual mask in the film is the only one who ironically doesn’t wear a mask.
How did you find balancing the multiple roles of writer/director/editor/composer on this?
To me, that’s not an issue at all. It’s all filmmaking and I don’t discern at all between those different roles. That’s the way we started out making movies when we were young, and you learn so much about the craft doing it all yourself in the beginning. To me that’s actually the only way to work, being involved in practically every aspect of the production. I know it will get increasingly complicated maintaining this the bigger the project, but I hope I can keep on wearing all those hats in the future.
I read that you had quite an extensive preparation period, what specific aspects of Superhero did you want to get squared away ahead of time?
I consider this to be my very first actual production, so the initial reason to prepare it meticulously was probably out of anxiety and lack of self-confidence. But I found that this is the way I want to create films in the future. As I am not that great with words, yet everything in directing is about clear and concise communication, I found that actually drawing it and explaining my vision through visuals is the method that works for me.
I prep like a mad man, mood boards, videos, references, character and costume drawings, and I storyboard the entire film myself. I even spent a long time looking for the right scent for the film. I wanted to smell a specific perfume during production that could reconnect me to the initial spark. I also chose a fragrance for each main character, which helped me see them as living people. I love that part of filmmaking when everything is still possible before reality forces you to make one compromise after another.
How challenging was it to film the pool scene? How much planning went into that section of the shoot?
Very challenging! And not enough planning, to be honest. I underestimated the underwater shoot, I think we all did, despite having been warned. We shot it in France in an old Olympic-sized indoor pool, which we had to darken with black covers underwater. We spent an entire night, like seven to eight hours, in the water – and in the case of Cinematographer Joel Froome, literally on the ground of the pool. That alone was exhausting as hell. Add an underwater camera case with a leak, and an actor with Down syndrome who could barely swim, yet still wanted to do it himself, and you can imagine the fun we had. That was one well deserved wrap-beer in the morning.
What did you shoot on and how long was production from start to finish?
We shot the film on an Arri Alexa Mini, with two different kinds of lenses, sphericals as well as anamorphics. We wanted the last part of the story – when we start drifting away from reality towards the fantastical realm – to have a decisively different look. So it begins with handheld camera and spherical lenses with medium range focal lengths, and ends with very controlled dolly shots, anamorphics and much wider lenses.
I’m curious to know what Joel specifically brought to the visuals? Despite that nighttime setting, the film contains a really strong sense of colour.
Joel is a tremendous guy and a force to be reckoned with when it comes to creating stunning imagery. This was our first chance to work together and we had a beautiful relationship collaborating on this project. He was so into the story, so involved with immense passion and eager to bring his A-game. It’s priceless to have a great collaborator by your side with whom you bond and who helps you keep the eye on the big picture, especially when the going gets tough, which happens all the time on a shoot. We had the same vision and eventually achieved exactly what we intended.
The film had to walk the line between realism and fantasy, therefore expressing this border visually, it had to be not too dream-like, nor too naturalistic.
We were striving for a colourful look that would fit the playful and innocent view that Max’s character would have of this world, while at the same time giving it a dangerous lure. He’s a bit like Alice in Wonderland coming to this party. So the film had to walk the line between realism and fantasy, therefore expressing this border visually, it had to be not too dream-like, nor too naturalistic. For the ending though, we wanted to deviate from the look we set up and went all 80s Hollywood, acknowledging the Superhero-movies of that era and honouring some of our favourite films. Joel’s work really elevated the entire film and is a decisive element of why I think the result works.
Speaking of Max, what was it liking working with Nico to create him?
Finding Nico was an absolute blessing. I insisted on casting an actor with the same genetic characteristic as the protagonist. I never would have condoned casting an actor posing as a character with a disability. And what he brought to the project exceeded my expectations by far. He was just so honest, and although I had to initially work around his tendency to overact a little, due to his experience on the theatre stage, by the end I sometimes couldn’t tell whether he was acting or actually just plainly being himself in front of the camera. Of course that’s what you want as a director, so I just let him fly. I completely fell in love with his earnestness, humour, courage and enthusiasm. And considering he’s extremely afraid of heights, the man’s fearless!
Similarly, what was it like casting and working with an actor of Maria Drăguș’ calibre?
Maria is a terrific actress and I’m so grateful she joined the project. She elevated the entire film to a whole other level. She found the perfect balance between warmth and distance towards Nico’s Max, and the two just worked brilliantly together. She has a lot of experience, which becomes clear the moment she comes to the set. She had her breakthrough in Michael Haneke’s White Ribbon when she was still very young. I have to say I owe a lot to Jannik Schümann without whom Maria most probably wouldn’t have joined the project. It was Jannik who came on board first and being motivated for this little film, he did his best to convince Maria to join the party as well. I think they both had a great time shooting this film.
How did your process differ in a narrative short like Superhero than in your other work in the music video and visual art formats? Looking ahead, where do you see your interests lying?
From the very beginning, I had this passion for cinema as well as a crazy love for art and music. Yes, I studied art not film but only because, after applying to film schools and art academies simultaneously, the Kunstakademie Düsseldorf was the first to accept me. Today I really see it as an asset, with the different fields informing each other in interesting ways, creating artworks and filmmaking, which is in itself already a myriad of different skills.
Things I learn doing one task can improve another in a completely different field.
It’s vice versa in so many ways. First of all, it feels good to constantly be changing hats, so it never gets boring. Secondly, it teaches me to think outside the box. Things I learn doing one task can improve another in a completely different field. It trains me to find creative approaches for any given problem. But I can see filmmaking gradually taking the biggest chunk of my time and attention right now.
What are you working on next?
I just released a new short film called Vis-a-Vis which tackles the subject of the pandemic and its social repercussions. I think it could be something that many people might connect with, and my intention is to try and offer some sense of solidarity to people who might be going through hardship in this crisis. After that, I’ll have to edit my next short film we recently shot – while writing a limited series for German TV.